Ханна Уилке
S.O.S. (1975), Gum in Cherry Tree (1976), Sweet Sixteen (1977)
Американская художница Ханна Уилке создавала небольшие скульптуры, похожие на вульвы, и использовала их в своих инсталляциях, перформансах, автопортретах, интегрировала в природный ландшафт. Материалами становились ткани, керамика и даже жевательная резинка
В своих работах Уилке уделяла большое внимание дестигматизации женской телесности и сексуальности, но часто подвергалась критике за свою конвенционально привлекательную внешность. Можно сказать, что ответом на эти нападки в том числе стала финальная художественная работа Уилке — Ханна до последнего дня жизни документировала, как угасает ее красота, а тело умирает от неизлечимого заболевания
Трогательные фотографии, вызывающие бурю эмоций
Каждый день нашему взору представляются сотни разноплановых фотографий, о большинстве которых мы забываем через несколько минут после просмотра
Но есть и такие снимки, которые заставляют заострить на себе наше внимание и задуматься над увиденным. Сильные фотографии закаляют наш дух и наделяют верой в себя, а трогательные и добрые дарят улыбку и призывают поразмыслить о собственной жизни
Но все эти снимки объединяет одно — они вызывают неподдельные эмоции, которые и делают нас людьми!
Больше, чем просто фото
Любовь — сильное чувство
Воспоминания — бесценны
Время идёт, а любовь остаётся
Настоящий супергерой
Всем нужны объятия!
Любовь мамы
Поделился коктейлем с другом
Различия только сближают
Никогда не поздно начать!
Маленький джентльмен
Самое трогательное объявление
Настоящая дружба!
Прекрасное, трогательное фото!
Рождение новой жизни
Кот, который познал дзен
Дружба навеки!
Когда любовь это нечто большее
Главное не стареть душой
Этот мальчик обязательно поправится!
Человеская доброта может творить чудеса
Столько счастья в одном фото
Джуди Чикаго
«Званый ужин»/The Dinner Party (1974–1979) и «Красный флаг»/Red Flag (1971)
Одно из самых известных произведений феминистского искусства, инсталляция Джуди Чикаго «Званый ужин» — это треугольный банкетный стол, подготовленный для воображаемой торжественной встречи выдающихся женщин, живших в разные исторические эпохи. Стол сервирован на 39 персон, с каждой стороны стола расположено по 13 мест (отсылка к «Тайной вечери»), каждое место подписано именем одной из знаменитых художниц, писательниц, богинь, правительниц и поэтесс.
Этой инсталляцией Джуди Чикаго отдает дань уважения и почести своим предшественницам и современницам, подчеркивая, как непростительно мало внимания уделяется в обществе женским достижениям, а некоторые имена намеренно стираются из истории. Все места за столом оформлены по-разному, символически отсылая к деятельности той или иной персоны, а каждое из блюд на тарелке по форме напоминает вульву — одну из самых табуированных частей женского тела.
Подготовьтесь
Даже если у вас уже есть питч, выученный назубок, Джейн Хармон из галереи Fortnight Institute советует подготовить идею для презентации. “Когда я разговариваю с художником, то хочу знать, что сводит её работу воедино”. Это не должно ограничиваться только одной вещью, но Хармон отметила: если художник может определить конкретный поток интересов, который проходит через их работу – значит, он обдумал, как его картина и детали могут “сыграть”. А это в свою очередь значит, что и Джейн может понять их работу изнутри.
Тем не менее, не пытайтесь создать горы работ, которые поддержат вашу идею. Марк Скала, главный куратор Центра визуальных искусств Нэшвилла, сказал, что ему любопытно говорить об эволюции работы художника по мере ее развития. Вашему собеседнику интереснее видеть прогресс, ваш творческий рост по мере движения от старых к более новым работам.
Избегайте описаний
Когда вы теряетесь в потоке мыслей, всегда хочется отступить к очевидному, что и так визуально проявляется в работе. Но это не помогает зрителю понять картину шире. Художник-самоучка Уго Макклауд рассказывает, что он отказывается от желания описать – для этого у него всегда есть “точка возврата”, к которой можно уйти во время разговора. «Я знаю, что мне удобно начинать разговор, рассказывая о моем процессе». Поэтому, если ему кажется, что он отклоняется от темы в ходе посещения студии или обсуждения в галерее, Макклауд возвращается к своему процессу, чтобы развернуться в нужное русло.
Кэтрин Хоу, художница и директор программы критических исследований Нью-йоркской академии искусств, говорит, что ещё большим испытанием является попытки “осветить визуальную работу с помощью языка, который приносит новые ассоциации, семейные связи и неожиданное понимание”. Поэтому она учит своих учеников тратить время на разговоры о вещах, которые не очевидны в работе, подобно тому, как Макклауд фокусируется на закулисной работе.
Эмоциональные картины американского художника Daniel F. Gerhartz
Эмоциональные картины американского художника Daniel F. Gerhartz
Daniel F. Gerhartz (Даниэль Ф. Герхартц) — современный американский художник. Отличительной чертой его стиля является минимальная детализация картин. Свет, цвет, композиция, содержание
В разборах своих работ он неоднократно упоминает о прищуривании глаз, которое помогает убрать из композиции лишнее и отвлекающее, акцентировав внимание на главном
Эмоции являются жизненно важной частью его работы, а мастерство и знание анатомии человека объединяются, чтобы придать его полотнам очень мощный визуальный эффект. Daniel F
Gerhartz родился в 1965 году в городке Кеваскум, штат Висконсин, где в настоящее время и живет со своей женой Дженифер и их маленькими детьми. Интерес Дэна к искусству возник еще в подростковом возрасте
Daniel F. Gerhartz родился в 1965 году в городке Кеваскум, штат Висконсин, где в настоящее время и живет со своей женой Дженифер и их маленькими детьми. Интерес Дэна к искусству возник еще в подростковом возрасте.
Daniel F. Gerhartz особенно интересуется и испытывает признательность мастерам современного русского искусства и роскошным полотнам русских художников прошлого: Николая Фешина, Исаака Левитана, Ильи Репина.
Daniel F. Gerhartz пишет маслом уже более двух десятилетий. Преподает технику живописи много лет. За основу методики он взял преподавание портрета, так как этот жанр требует точности воспроизведения натуры, и ученик должен отобразить именно то, что видит. В противном случае, портрет не получится.
источник
Не преувеличивайте
Хоу также отмечает, что существует ограничение на то, что вы можете сказать.
«Я предостерегаю студентов, чтобы избежать гиперболы и, в определенной степени, умышленного политически заманчивого жаргона», – сказала она. Вместо этого она поощряет художников пытаться укрепить свой собственный голос, хотя это может быть трудно сделать под давлением.
Когда вы чувствуете себя уязвимым, так и хочется использовать слишком “раздутую” манеру речи. Басс считает, что более полезно выяснить, как представлять большие идеи при помощи маленького – “не в значении краткости, а понятности” – языка.
Художник рисует эмоции, которые каждый испытывает, но не может описать
Ребята, мы вкладываем душу в AdMe.ru. Cпасибо за то,что открываете эту красоту. Спасибо за вдохновение и мурашки.Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте
Проект «The series is my life-time project» художник Даехюн Ким (Daehyun Kim) создал еще во время своей учебы в Сеуле (Южная Корея), где изучал восточную живопись. Сам Ким признается, что в этих иллюстрациях нет какой-либо особенной истории, они создаются полностью на основе его ежедневных мыслей и чувств.
Это целый сюрреалистичный мир, где океан и мелкий, и бездонный, где одновременно и свет, и тьма и нет единого восприятия.
AdMe.ru увидел в нем свой смысл и решил им поделиться.
Guerrilla Girls
«Должны ли женщины быть голыми, чтобы попасть в Музей Метрополитен?»/Do Women Have To Be Naked To Get Into the Met. Museum? (1989)
Анонимный арт-коллектив Guеrrilla Girls, состоящий из фем- и арт-активисток, прячущих свои лица под масками горилл, начали раскачивать лодку нью-йоркского мира современного искусства еще в 1985 году. Целью коллектива была борьба с сексизмом, расизмом и другими видами дискриминации в арт-среде. К началу 1990-х под остроумную медиаатаку и жесткую критику Guerrillа Girls боялся попасть практически весь патриархальный американский истеблишмент, связанный с современным искусством. Коллектив устраивал интервенции, расклеивал листовки и гигантские рекламные баннеры с критикой в адрес уважаемых культурных и художественных институций за их дискриминационную политику.
почему картины импрессионистов пробуждают в нас эмоции
А вот как воспроизводит свои ранние, относящиеся к возрасту чуть больше двух лет, ощущения Андрей Белый в книге «На рубеже двух столетий»: «Представьте ваше сознание <…> несколько расслабленным <…>, но не угасшим вовсе; я <…> переживаю предметную действительность комнаты <…> как рыбка, живущая в аквариуме, поставленном в комнате; представьте себе эту рыбку сознающим себя ребенком, и вы поймете, что действительность ему подана как сквозь толщу воды». Таким образом, на ранних этапах развития мир воспринимается человеком не в деталях, а размыто, смутно, эмоционально.
«Дело в том, что формирование новых систем в процессе индивидуального развития позволяет нам все более дифференцированно соотноситься со средой, выстраивать свое поведение с учетом все большего числа деталей, — поясняет Юрий Иосифович. — Например, находясь в утробе, плод обеспечивает приток материнской крови и, следовательно, питательных веществ и кислорода к плаценте, совершая самые разнообразные движения. После рождения для той же общей «метаболической» цели становится необходимо совершать движения специализированные: дышать, чтобы получать кислород, осуществлять сосательные движения, захватывая сосок материнской груди (или соску), чтобы получать пищу. Затем оказывается, что, кроме молока, можно получать, например, сок из ложечки, и для этого надо совершать питьевые движения, захватывая ложечку ртом. Потом выясняется, что можно есть и твердую пищу, которую нужно жевать. А еще можно есть из чашки или из тарелки. С помощью разных приборов, разную пищу, совершая разные типы движений и ориентируясь на разные свойства этой пищи, определяемые зрительно, обонятельно, тактильно, по вкусу. Впоследствии человек и вовсе обнаруживает, что пищу получать можно не только дома, но еще и в школе, в кафе, на улице, в гостях, причем ее получение включает целый ряд специфических подготовительных действий и учет множества факторов: например, наличие у тебя свободных денег, а в кафе — свободных мест.
«Бунтарки»
Но куда более масштабно и полноценно женщины смогли выразить себя в тех художественных стилях, что встали в оппозицию классицизму и академизму во второй половине XIX века: в самих программах импрессионизма, постимпрессионизма, модерна были заложены другие, отличные от старых схемы обучения и подражания, критерии качества и стратегии развития.
Берта Моризо (1841–1895) выставляла свои работы на парижских салонах, но в историю вошла как одна из «трех гранд-дам импрессионизма». Вместе с сестрой Эдмой она училась у Камиля Коро, однако Эдма оставила живопись вскоре после замужества. Берта же вышла замуж за Эжена Мане, который поддерживал ее занятия живописью. С братом Эжена Эдуардом Мане Берта была дружна, он написал много ее портретов; их произведения часто сравнивают, предсказуемо распределяя между ними роли «мэтра» и «последовательницы», несмотря на глубоко индивидуальный язык художницы:
Молодая женщина за туалетом. Берта Моризо. Между 1875 и 1880 годом
Портрет Берты Моризо. Эдма Моризо. 1865 год
Американка Мэри Кэссет (1844–1926) смогла поступить в Пенсильванскую академию художеств, но была разочарована этим опытом: к студенткам не относились всерьез, запрещали им посещение класса обнаженной натуры. Состоятельные родители Мэри поддерживали ее увлечение европейской культурой до тех пор, пока она не решила сделать искусство своей профессией: отец отказался оплачивать ее занятия живописью. Несмотря на неодобрение, Кэссет добилась успеха в Париже, она выставлялась с импрессионистами, дружила и работала с Эдгаром Дега. Самой известной темой ее работ были изображения детей, матерей с детьми, девушек — эти жанровые сцены обладают как тонкой интимностью и психологической глубиной, так и смелостью композиционных и колористических решений.
Купание ребенка. Мэри Кэссет. 1893 год
Сюзанна Валадон (1865–1938) попала в богемную среду благодаря тому, что ее мать держала прачечную на Монмартре, где жили и работали многие известные художники. Начав свою деятельность как натурщица, Валадон наблюдала за работой художников и смогла при жизни стать успешной художницей, первой из женщин была принята в Национальное общество изящных искусств. Ее творчество отмечено экспериментами, свойственными другим художникам постимпрессионизма; обнаженная женская натура в ее интерпретации эротизирована не менее, чем у Анри де Тулуз-Лотрека, прославившегося своими афишами для кабаре «Мулен Руж»:
Обнаженная на красном диване. Сюзанна Валадон. 1920 год
Чехол от скрипки. Сюзанна Валадон. 1923 год
Невозможно представить себе искусство русского модерна без Елены Поленовой (1850–1898), Марии Якунчиковой (1870–1902) и Анны Остроумовой-Лебедевой (1871–1955). Все три художницы являлись членами художественного объединения «Мир искусства». Поленова и Якунчикова — обе происходившие из семей, культуре не чуждых — обучались у русских и французских мастеров, были увлечены народным искусством и активно участвовали в абрамцевских мастерских в имении предпринимателя и мецената Саввы Мамонтова, где художники могли быть свободны от иерархии видов искусств, которая была принята в Академии художеств и утверждала примат живописи и скульптуры над другими техниками и материалами. Реализовывая принцип соединения искусств и ремесел, заимствованный у английских прерафаэлитов, Поленова создавала эскизы предметов мебели и иллюстрации к русским сказкам:
Иллюстрация к сказке «Война грибов». Елена Поленова. 1880-е годы
Якунчикова выжигала деревянные панно, расписывая их масляными красками:
Осина и елка (панно). Мария Якунчикова. 1896 год
Обе художницы ушли из жизни молодыми, в некрологе в журнале «Мир искусства» Сергей Дягилев сожалел о ранней смерти Марии Якунчиковой: «Лишь только она начала развиваться как художница, она вышла замуж, затем — дети, затем — серьезная болезнь сына и, наконец, смерть».
Анна Остроумова-Лебедева возрождала технику цветной ксилографии — гравюры на дереве, — в которой она создала целый ряд городских пейзажей с изображением Санкт-Петербурга, ставшими впоследствии каноническими образами города:
Цепной мост. Анна Остроумова-Лебедева. 1903 год
Дженни Хольцер
Lustmord (1993–1994)
Дженни Хольцер — еще одна известная художница, чей главный медиум — текст. Даже те, кто никогда не слышал о феминистском искусстве, скорее всего, могли видеть работу Хольцер на знаменитой фотографии группы Nirvana. Музыканты стоят на фоне инсталляции художницы в виде надписи Men Don’t Protect You Anymore. Дженни Хольцер исследует в работах тему гендера, сексуальности, власти, иерархий, проблему сексуального и домашнего насилия. Свои минималистичные тексты, острые цитаты и яркие лозунги она превращает в уличные постеры, гигантские билборды, неоновые надписи и проекции.
Будьте честным
Многим художникам трудно решить, “почему” они приняли то или иное решение во время работы: почему здесь выбрана такая кисть, а здесь такая краска. Творческое выражение – это интуитивный процесс.
Художник Натаниэль Мэри Куинн сказал, что на ранней стадии своей карьеры он часто беспокоился, что не будет выглядеть умным, если у него не будет ответов на все вопросы о его работах. Теперь же, после многочисленных выставок, Натаниэль говорит, что легче выглядеть осведомлённым, когда ты знаешь о чём говоришь, чем когда ты притворяешься экспертом в чём-то “не своём”. Он стремится быть честным и подлинным.
