Ракурс
Художник может изобразить человека на полотне:
- в полный рост (Валентин Серов «Портрет актрисы Ермоловой»);
- по колени (Рембрандт «Портрет старика»);
- по бедра (Брюллов А.П. «Портрет Н.Н. Пушкиной»);
- по пояс (Луи Токке «Портрет дофина Людовика»);
- по грудь (Аргунов Иван «Портрет неизвестной крестьянки в русском костюме»).
На портрете может быть разное положение головы:
- в анфас — когда модель смотрит прямо (Иван Крамской «Портрет крестьянина»);
- в четверть поворота направо или налево (Илья Репин «Портрет композитора М.П. Мусоргского»);
- в три четверти (Караваджо «Святая Екатерина Александрийская»);
- в профиль (Сандро Боттичелли «Женский портрет»).
На выбор ракурса и положения влияет обстановка, соотношение света и тени, и задумка самого живописца.
Смертельный поцелуй
The Kiss of Death — так критики и зрители назвали далеко не романтичный поцелуй во второй части «Крестного отца», где Аль Пачино в роли главаря мафиозного клана Майкла Корлеоне прикасается губами к своему брату Фреду, говоря ему: «Я знаю, что ты предал меня, брат, и разбил мое сердце». Журналист из газеты Times Ричард Корлисс назвал эту сцену из фильма одним из самых «сильных» поцелуев в кинематографе: «Это поцелуй, который убивает».
И хотя в историю кино вошли фильмы с одноименным названием The Kiss of Death, снятые 1947, 1995 и в 2018 годах, самым впечатляющим остается именно этот эпизод из «Крестного отца-II».
Поцелуй Майкла и ФредаКадр из фильма «Крестный отец»
Алексей Саврасов и Василий Перов: деревья одному, людей — другому
Передвижники Василий Перов и Алексей Саврасов были друзьями, поэтому не раз друг другу на картинах что-нибудь подрисовывали (с согласия, конечно). В 1871 году Перов работал над своей знаменитой картиной «Охотники на привале». Позировали мастеру его товарищи: врач Дмитрий Кувшинников, художник Василий Бессонов и чиновник Николай Нагорнов.
В. Г. Перов «Охотники на привале» (1871)
Мужчин, одежду, ружья, добычу Перов изобразил мастерски, поскольку сам был большим любителем пострелять по уткам и прекрасно знал экипировку охотника. А вот пейзаж… Уметь-то он умел — но вот большой тяги к деревцам, цветочкам да кочкам не испытывал. Закончить живописный фон помог автор известной картины «Грачи прилетели» Алексей Кондратьевич Саврасов.
В «Птицелове» Перова Саврасов тоже помогал писать пейзаж. Говорить об этом он не любил, словно соавторство задевало его самолюбие. Он ведь умел изображать не только деревья:
«Хорош бы я был мастер, если бы грача мне написал Васька Перов, а я бы только лазурь и облака».
В. Г. Перов «Птицелов» (1879)
Но всё же и Саврасов прибегал к услугам «Васьки». В 1870 году Алексей Кондратьевич начал писать картину «Волга в окрестностях Юрьевца». Эскизы реки он сделал во время путешествия по Волге, а вплотную приступил к работе в учебной мастерской Московского училища ваяния и зодчества (в этом учебном заведении оба художника были профессорами). Перов увидел работу приятеля, оценил замысел и помог с написанием человеческих фигур.
А. К. Саврасов «Волга в окрестностях Юрьевца» (1870)
3.
В настоящее время «Влюбленные I» находится в Австралийской национальной галерее. Вторая версия «Влюбленные II» находится в коллекции Ричарда С. Цейслера, Нью-Йорк. Картины написаны в один год и имеют одинаковый размер.
Первая версия
В первой версии мужчина и женщина нежно прижимаются друг к другу, словно они позируют для семейного портрета. Сюжет очень похож на праздничный снимок с проблесками зелени побережья Нормандии и моря. Мы видим голубое небо с легкими воздушными облаками. На заднем плане прекрасная пастораль с крутыми травянистыми холмами и обилием деревьев. Это идеальный день для двух влюбленных, которые будут запечатлены на снимке. Однако, вуали, которые покрывают головы влюбленных, оттягивают их лица и словно сворачиваются через плечи. Это сочетание безмятежного, прекрасного пейзажа и двух влюбленных вкупе с почти мучительными образами головных вуалей вызывает беспокойство. Ведь не каждый день мы видим людей, охотно решающих покрыть свою голову чем-то похожим на мешок. Спонтанная близость героев в этом «праздничном снимке» становится призраком отчуждения и удушья. Внешне настолько абсурдный, этот образ становится пугающе реальным в глазах разума.
Музеи Москвы
Коллекция Третьяковской галереи хранит одну из самых чувственных картин с изображением Аполлона – «Аполлон, Гиацинт и Кипарис, занимающиеся музыкой и пением». Кипарис был спутником Аполлона, но однажды юноша застрелил своего любимого оленя. Кипарис так горевал, что в итоге пожелал уйти вслед за любимцем. В итоге он был превращён в дерево кипарис.
Гиацинта тоже считали одним из спутников Аполлона. Гиацинт был убит диском, брошенным Аполлоном, и обращён в одноимённый цветок гиацинт. Он вырос из крови Гиацинта. По другой версии, диск попал в Гиацинта, когда он закрыл собой бога.
Это полотно отличается весьма интересной историей. Несмотря на желание художника, А. А. Иванова, показать идиллическую картину со всей красотой античности, картина бога Аполлона так и осталась незаконченной. Автор чувствовал, что его желания слишком утопичны, что мир и собственное творчество не смогут им соответствовать.
Но даже неоконченная картина всё равно производит впечатление. Она показывает отдых бога солнца в окружении своих любимцев. Вся сцена дышит покоем и вдохновением, пока Аполлон с Кипарисом и Гиацинтом музицируют. Иванов, рисуя их образы, старался показать не только классическую красоту, но и живые, человечески чувства. Феба он срисовывал с головы статуи Аполлона Бельведерского, но старался вдохнуть в облик жизнь.
Для Иванова античность была не просто набором форм, образов, шаблонов, которым он старался следовать. Древняя Греция – это его золотой век и идеал, но стремление к нему ничего не дало художнику. И только картина хранит отголоски этих мечтаний.
Работы Л. С. Лоури полны скрытых страданий
Этот художник середины 20-го века известен картинами, изображающими северо-запад Англии. Л. Лоури часто рисовал огромные городские сцены с толпами «аферистов». Хотя он был популярен, мир искусства в течение длительного времени не признавал его картины, считая их тривиальными. На самом деле картины Лоури наполнены скрытыми человеческими страданиями.
На полотне 1926 года «Несчастный случай» нарисована толпа людей, которые собрались возле озера и смотрят на него. На самом деле художника вдохновила сцена самоубийства в этом месте, а толпа собралась поглазеть на труп утопленника.
На других картинах Лоури изображены персонажи, смотрящие кулачные бои, несчастные, которых выселяют из дома, или просто люди, глядящие из окон в подавленном настроении.
Ни в одной картине трагедия никогда не выпячивается. Все остальные люди продолжают жить своей повседневной жизнью, не подозревая о страданиях своих ближних. В этом мире мы совершенно одни, и наша боль ничего не значит для других. И это, наверное, самое страшное скрытое послание.
- Пять безумных фактов, которые можно объяснить только перемещением во времени
- Как отправить мысли во временный отпуск
- 10 потрясающих книг-шедевров дизайна
- 12 случаев, когда с неба падали неожиданные вещи
- Любовь мало чем отличается от тяжёлого обсессивно-компульсивного расстройства
«Постоянство памяти», 1931
«Постоянство памяти», 1934, Сальвадор Дали. Находится в Нью-Йоркском музее современного искусства
Художник
Полотно написал испанский художник-сюрреалист Сальвадор Дали
Он сдетства был эксцентричным и притягивающим ксебе всеобщее внимание. За85 лет онсоздал около 1500 произведений, включая сюрреалистические картины, иллюстрации, скульптуры
Сальвадор Дали был известен при жизни. Он стал автором нескольких автобиографических книг, сценариев, разработал логотип Chupa-Chups, работал сУолтом Диснеем над мультфильмом Destino, участвовал всоздании фильмов Луиса Бунюэля иАльфреда Хичкока. Также Дали создал всвоем доме вПорт Лигат 44 бронзовые статуи. Художник вдохновлялся восновном своими сновидениями, самоанализом итеориями Фрейда.
История
Постоянство памяти— небольшое полотно, которое Сальвадор Дали создал всего запару часов, пока его жена Гала была сдрузьями вкино. Сам художник непошел, сославшись намигрень. Изначально Дали писал мыс Креус, новтот день онвзглянул накартину ипонял, что полотну нехватает какой-то идеи, смысла. Онуснул иперед ним предстал образ мягких часов, стекающих светви высохшей оливы. Сам Дали говорит, что наобразы текучих часов его навел мягкий сыр камамбер, которым они ужинали накануне.
Небольшая картина была очень личной для художника. Позже Дали вспоминал, как показал её Гале: Янаблюдал затем, как она разглядывает картину икак отражается наеелице очаровательное удивление. Так яубедился, что изображение производит эффект, ибо Гала никогда неошибается.
Стиль
Постоянство памяти относится к сюрреализму. Мягкие часы выражают основную мысль, озарившую Дали— идею оботносительности времени и его нелинейности. Часы текут вразные стороны, демонстрируя то, как легко вернуться впрошлое или повлиять набудущее. Художник осознавал хрупкость иискусственность привычного понимания времени, очем говорят изображенные накартине твердые часы, поедаемые муравьями, которые символизируют конечность, смертность, разложение.
Однако понятие времени неразрушается полностью— это подтверждают образы яйца, лежащего на берегу, атакже зеркало, будто объединяющее море инебо. В глазах художника время противоречиво иотносительно, нопри этом все равно может существовать исоздавать полотно мира.
Интересные факты
- Сам Сальвадор Дали дал лишь два комментария ккартине: отом, что намягкость часов его навели мысли о камамбере, иотом, что при написании ондумал одревнегреческом философе Гераклите иего высказывании Все меняется, все течет.
- Через несколько дней после написания работы еекупил американец Джулиан Леви, уверяя Дали, что Постоянство памяти непринесет коммерческого успеха ибудет просто висеть унего дома.
Почитайте другие материалы об искусстве на . Например, нашу подборку о сюрреализме в живописи, или о самом дорогом художнике современности .
6. Анри де Тулуз-Лотрек: Самый пламенный
Анри де Тулуз-Лотрек, Dans le Lit, Le Baiser , 1892. Частное собрание .
Что нам нравится в Тулуз-Лотреке, так это чистая правда, которая вытекает из всех его работ . Символический художник богемной жизни и легкомысленного парижского микрокосма конца 19 века, он посвятил свою жизнь своему искусству. До своей безвременной кончины в возрасте 37 лет он бродил по более или менее посещаемым заведениям района Пигаль и его Мулен Руж , от питейных заведений до танцевальных кабаре, включая публичные дома. Именно в одном из них он реализовал этот плотский и нежный поцелуй . Не позволяйте коротким волосам персонажа справа ввести вас в заблуждение: далекие от андрогинной мужественности, мы действительно обнаруживаем, что две женщины страстно обнимаются друг с другом. Выбор такой композиции в столь неоднозначное время в сочетании с высоким качеством исполнения, секретом которого был только Тулуз-Лотрек, сделал эту картину шедевром, который мы теперь знаем.
1. Густав Климт: Самый знаковый
Густав Климт, Поцелуй , 1909. Дворец Бельведер, Вена .
Поцелуй Густава Климта — несомненно, самые красноречивые романтические объятия в истории искусства . В особом стиле, секретом которого владеет только Климт, мы обнаруживаем на первом этаже пару, покрытую позолоченными и орнаментированными украшениями . Мужчина нежно целует своего жениха в щеку, а она обнимает его и сдается ему . Вокруг них естественная свежесть вызывает соблазн : от поля разноцветных цветов с цветочными мотивами, покрывающими платье женского персонажа, до венка из плюща, украшающего череп ее жениха, все, кажется, сходится, чтобы сосредоточиться на необыкновенной поэзии. этой сцены . Но кто эти любовники? Для некоторых это просто иллюстрация художника и его спутницы Эмили Флёге . Для других это скорее мифологическая аллегория, представляющая момент, когда Аполлон целует нимфу Дафну , которая затем превращается в лавровое дерево, чтобы спастись от Бога Искусств и Красоты.
Вот и все, это конец этого рейтинга, наполненного преданностью и энтузиазмом. Мы надеемся , что вам понравился этот выбор , как много , как это было приятно писать, и мы желаем вам приятного День святого Валентина. Для самых больших поклонников страстных связей и искусства мы рекомендуем вам открыть для себя нашу подборку работ, посвященных любви : любовь с первого взгляда гарантирована!
Bastien Alleaume Контент-менеджер — Artmajeur Online Art Gallery
Самый красивый поцелуй в кино
Поцелуй Ретта и СкарлеттКадр из фильма «Унесенные ветром»
За право считаться самым красивым поцелуем в кинематографе борются сразу несколько кадров из кинолент «Дневник памяти», «Титаник», «Мои черничные ночи», «Близость» и «Основной инстинкт».
Но пальму первенства держит самый «элегантный» и в то же время страстный поцелуй Вивьен Ли и Кларка Гейбла в непревзойденном фильме «Унесенные ветром». Причем достаточно грубая по тем временам реплика Рэта Батлера при этом звучит так: «No, I don’t think I will kiss you although you need kissing badly». (Нет, не ждите от меня поцелуя, хотя вы и жаждете его получить).
Как правило, зрительницы при этом рыдают.
«Звездная ночь», 1889
«Звездная ночь», Винсент Ван Гог, 1889
Художник
Нидерландский художник с детства был тонко чувствующим и замкнутым ребенком. В юности он семь лет занимался оценкой и продажей картин в фирме своего дяди, где и обнаружил страсть к рисованию. Однако коммерция и искусство были для него несовместимы. Будучи сыном священника, он решил пойти по стопам отца: трижды пытался получить теологическое образование, но обостренное чувство прекрасного и справедливого не позволяло ему ладить с людьми.
Потерпев очередную неудачу, Ван Гог сосредоточился на творчестве и решил создать вместе с Полем Гогеном свою мастерскую. Но регулярные конфликты чувствительного Винсента с жестокой реальностью в итоге окончательно вывели его из равновесия: в 1889 году художник попал в психиатрическую лечебницу. Там он прожил год и написал большую часть своих картин. Через несколько месяцев после выхода из лечебницы Ван Гог, по основной версии, покончил жизнь самоубийством, выстрелив в себя из револьвера.
История
В мае 1889 года, во время очередного обсуждения планов с Гогеном, Ван Гог внезапно пришел в неистовство и набросился на друга с бритвой в руках. До конца не ясно, что именно произошло, но позднее ночью Винсент отрезал себе мочку уха. Его забрали в психиатрическую лечебницу в Арле, где через месяц после происшествия художник написал картину «Звездная ночь». И хотя Ван Гог изобразил вид из окна больницы, большая часть экспозиции вымышленная: ему было видно только пшеничное поле и небо.
Стиль
Ван Гог был постимпрессионистом. Художники этого направления стремились отойти отточного изображения предметов иотимпрессионистской фиксации момента. Для них напервом месте стояла задача показать фундаментальные смыслы, используя цвет иформы. Точность визображении реальных объектов теперь тоже была необязательна— главным стало выразить идею.
Вслучае скартиной Звездная ночь сам Ван Гог никак непояснял свою задумку. Искусствоведы полагают, что огромные вихреватые звезды отсылают крелигиозным чувствам: размышлениям оконце бытия, овечности
Важно отметить, что картина была написана накануне острого приступа Ван Гога виюле 1889 года: возможно онтворил всостоянии обостренного восприятия
Интересные факты
- Хотя картина стала одним изизвестнейших полотен Ван Гога, онвпереписке схудожником Эмилем Бернаром назвал её провалом. Ван Гог стремился писать снатуры иизбегать таких абстрактных элементов, как, например, завихрения света звезд.
- Самая яркая звезда накартине, расположенная справа откипарисов,— Венера, которая, помнению исследователей, действительно была таковой втовремя вПровансе.
«Черный квадрат», 1915
«Черный квадрат», Казимир Малевич, 1915
Художник
Казимир Малевич родился вКиеве, попроисхождению был поляком. Он увлекся рисованием еще вдетстве, первую масштабную картину написал в16 лет. Дважды пытался поступить вМосковское училище живописи, ваяния изодчества идважды получал отказ.
Малевич создал уникальное направление вабстракционизме— супрематизм. Занимался разработкой теоретического фундамента этого течения, писал философские труды, преподавал живопись.
История
Идея произведения и супрематизма в целом возникла вдекабре 1913 года. Тогда Казимир Малевич рисовал эскизы декораций кфутуристической опере, где изобразил черный квадрат как противоположность солнечному кругу. Позже Малевич написал Черный квадрат в1915 году наряду сдругими картинами для футуристической выставки. Сам художник датировал работу 1913 годом иназывал ееосновным супрематическим элементом. Датой создания полотна он считал год его придумки.
Простота изображения отражала суть картины— Черный квадрат означал новую веху вживописи, точку отсчета, нуль форм. Вместе сэтим полотном Малевич написал также Черный круг иЧерный крест, которые также легли воснову супрематической системы.
Стиль
Супрематизм развился изабстракционизма ибыл попыткой окончательно уйти отпредметности. Помнению Малевича рисование снатуры также примитивно, как инаскальная живопись.
Супрематизм стремился уравнять художника иприроду— они некопируют, асоздают снуля. Основными инструментами художника стали лишь цвет ипростейшие геометрические фигуры.
Интересные факты
- Помимо первоначального Черного квадрата 1915 года были написаны еще три авторских повторения картины. Оригинальное полотно хранится посей день вТретьяковской галерее.
- В2015 году ученые нашли ирасшифровали надпись накартине Черный квадрат. Она звучит так: Битва негров втемной пещере. Надпись предположительно наспех сделана самим Малевичем иотсылает кчерному полотну художника Альфонса Алле Битва негров впещере глубокой ночью, 1882 год.
«Ночная терраса кафе» напоминает о «Тайной вечере»
Нарисованная в 1888 году «Ночная терраса кафе» — одна из наиболее важных работ Ван Гога, полностью раскрывающих особый стиль художника. Она также одна из самых его любимых. Но некоторые утверждают, что в ней имеется гораздо более глубокий подтекст. Согласно недавней теории «Ночная терраса кафе» отсылает нас к «Тайной вечере».
С раннего возраста Ван Гог был чрезвычайно религиозным. Его отец был протестантским священником, и влиятельные арткритики утверждают, что картины художника наполнены христианской образностью.
В случае с «Ночной террасой кафе» эта образность проявляется в виде Иисуса, пришедшего поесть со своими учениками. Если внимательно посмотреть на обедающих, то можно увидеть, что их двенадцать и они сидят вокруг центральной фигуры с длинными волосами.
Что характерно, есть даже ряд крестов, спрятанных на картинке, в том числе один непосредственно над фигурой Христа. Есть и другие доказательства в поддержку этой теории.
Когда Ван Гог писал брату о живописи, он утверждал, что мир испытывает «огромную потребность» в религии. Он был также глубоко увлечен Рембрандтом и выражал желание оживить свой стиль тонкой христианской символикой. «Ночная терраса кафе» вполне может служить доказательством того, что, в конечном счете, ему это удалось.
Другие картины на тему мифов про Аполлона
Одна из самых известных и грустных легенд про Аполлона – история его любви к нимфе Дафне, дочери богини Геи. На картине «Аполлон и Дафна» Антонио Поллайоло, флорентийского живописца, как раз показан кульминационный момент этого сюжета.
Под воздействием стрелы обиженного Эрота, бога любовного влечения, Аполлон воспылал страстью к нимфе Дафне, дочери богини Геи. Однако саму девушку Эрот пронзил стрелой безразличия. К тому же, Дафна соблюдала обед безбрачия и целомудрия. Долгое время она пыталась скрыться от Аполлона, который даже убивал своих соперников, имевших несчастье тоже влюбиться в девушку.
Отчаявшись, Дафна воззвала к своим родителям (по другим версиям, к Зевсу). Её обратили в лавр, однако даже тогда любовь Аполлона, пусть и насланная Эротом, не угасла. Горюя о нимфе, бог сделал лавр своим священным деревом, а лавровый венок, означающий победу – атрибутом. У легенды есть также интересное символическое толкование. В нём Дафна – это заря, которая исчезает с приходом самого солнца (Аполлона).
На полотне картины бога Аполлона изображён именно кульминационный момент легенды. Феб наконец настиг свою любовь, даже поймал в объятия – но Дафна уже превращается в дерево, и эту метаморфозу не остановить.
Поллайоло, как и другие художники эпохи возрождение, интересовался человеческой анатомией и часто рисовал картины, которые должны были показать красоту человеческого тела в момент наивысшего напряжения. Однако «Аполлон и Дафна» отличаются от других его произведений. Здесь на первый план выходит сюжет, эмоции героев.
Герен Пьер Нарсис, братья-боги Гермес и Аполлон.
Фредерик Артур Бриджмен. Феб похищает Сирену.
Рени Гвидо. Феб на колеснице.
Weissenkircher Hans Adam, Аполлон на колеснице
Гамильтон Гэвин, Феб и его сестра Диана.
Пьетро Бенвенути. Аполлон, одолевший Пифона.
Вилла Вальмарана, Италия. Аполлон и Артемида.
Жироде-Триосон, Аполлон.
Бартелеми Жан-Симон. Аполлон и его брат Сарпедон, сын Зевса и Европы.
Куапель Ноэль. Богиня Виктория возлагает на голову Аполлона венок после победы над Пифоном.
Куапель Ноэль. Аполлон и его брат, Гермес-Меркурий.
Куапель Ноэль. Аполлон служит пастухом у царя Адмета.
Кранах Старший, Аполлон и Артемида.
Менгс Антон Рафаэль, Аполлон.
Куапель Ноэль, Феб.
Куапель Ноэль, Аполлон.
Изображения Аполлона как бога искусств
Антонио Зуччи, итальянский гравёр и художник, относящийся к эпохе неоклассицизма. 1767 г. Аполлон с лирой в окружении муз.
Помпео Джироламо Батони, живописец из Италии, творивший в XVIII в. На его полотне «Аполлон, дающий урок музыки» Феб оживает как великий творец и вдохновитель, наставник творческих людей. Нельзя не заметить, с каким воодушевлением он рассказывает своим ученикам о тонкостях искусства. Девушки рядом внимают также с огромным удивлением и интересом, они сами уже готовы творить музыку. Картина бога Аполлона была написана в 1741 г.
Аполлон и музы на Парнасе. Клод Лоррен.
Леписье Никола. Аполлон, оберегающий искусства (изображены в виде книг, кистей, красок, свитков и музыкальных инструментов.
Сальви Джованни Батиста (итальянский живописец). Музицирующий Аполлон.
Брене Николя-Гай. Аполлон возлагает лавровые венки на искусства.
Брайтон Ривьер. Аполлон играет на лире после победы над Пифоном.
Реньери Николо, Аполлон с музыкальным инструментом.
Генрих Мария фон Гесс, Аполлон с музами.
На картине «Изабелла» мужчина скрывает свою эрекцию
Один из корифеев движения прерафаэлитов Джон Эверетт Милле, вероятно, наиболее известен сегодня картиной «Офелия». По крайней мере, так было до 2012 года, пока исследователи не обнаружили нечто неожиданное в его картине «Изабелла». На ней изображена сцена из «Декамерона» Боккаччо, и на пиршественном столе явно просматривается тень от эрегированного члена.
«Декамерон» — одна из самых эротических книг, когда-либо написанных, и картина полна ссылок на сексуальность. Вытянутая нога персонажа представляет собой фаллический символ, а кучка просыпанной соли около тени от пениса, вероятно, символизирует семя. Это выглядит непристойно, но вместе с тем совсем не как обычная порнография.
Борис Вальехо и Джули Белл: спортивное фэнтези
Супруги Борис Вальехо (которого в 1990-е в России называли Борисом Валеджио) и Джули Белл — американские художники, работающие в жанре фэнтези. Множество их рисунков с полуголыми воинственными мужчинами и женщинами в окружении драконов, единорогов и прочих мифических созданий знакомы нам по обложкам книг и альбомов, календарям и футболкам.
Оба художника влюблены в человеческое тело и прорисовывают персонажей с анатомической точностью. Борис в молодости занимался бодибилдингом, а Джулия — спортом. Здоровое и крепкое тело для них — это жизнь.
Супруги позировали друг другу и всячески помогали в творчестве.
Источник
Они вместе рисуют комиксы и иллюстрируют фантастические произведения. Джулия со скрупулезной точностью выписывает природу и животных, а к изображению декоративных элементов и драгоценных камней у нее особенная страсть, так как одно из ее любимых направлений в искусстве — ар-нуво.
Источник
6.
Никаких публичных поцелуев (Китай, Гонконг и Япония)
Как упоминалось ранее, поцелуи не являются физическим выражением эмоциональной близости в некоторых азиатских странах. Хотя публичные проявления любви набирают популярность среди японских «миллениалов», японцы традиционно считают поцелуи в губы интимными и настолько же личными, как и занятия любовью. В Китае и Гонконге мягкое (по крайней мере, по нашим стандартам) рукопожатие является предпочтительной формой приветствия, в то время как целование в щеку считается наглостью. Как и в Японии, миллениалы в Китае и Гонконге не всегда придерживаются таких формальных стандартов физического поведения. Однако, в отличие от поцелуев, китайцы традиционно рассматривают плевки вполне вежливым публичным актом, хотя в некоторых китайских городах это было запрещено после эпидемии атипичной пневмонии (тяжелый острый респираторный синдром) в 2003 году.
«Девочка с персиками», 1887
«Девочка с персиками», Валентин Александрович Серов, 1887
Художник
Валентин Серов родился вСанкт-Петербурге винтеллигентной семье композиторов. Сюного возраста проявлял талант крисованию. Первым учителем Серова был Илья Репин, который отмечал вученике большую страсть кживописи.
Серов, искусный портретист, писал Николая Римского-Корсакова, Илью Репина, Николая Лескова, императора Александра III ссемьей иНиколая II. Допоследних лет жизни Серов преподавал вМосковской школе живописи, ваяния изодчества ибыл членом совета Третьяковской галереи.
История
Серов нарисовал Девочку сперсиками вусадьбе Мамонтовых, где ончасто гостил: впервые его отвезла туда мама в10 лет. Многие годы художник регулярно останавливался там ибыл близким другом семьи. Картина была написана с одиннадцатилетний Веры Мамонтовой, дочери хозяина. Втот день все гости пообедали ивышли из столовой, оставив Веру иСерова одних. Вера возбужденно что-то рассказывала художнику, скоторым они были хорошимидрузьями. Валентин, будучи чутким живописцем, уловил детскую непосредственность Веры ипопросил ее позировать десять сеансов.
Врезультате Серов писал работу более месяца. Все, чего ядобивался,— это свежести, той особенной свежести, которую всегда чувствуешь внатуре иневидишь вкартинах. Писал ябольше месяца иизмучил ее, бедную, досмерти, ужочень хотелось сохранить свежесть живописи при полной законченности— вот как устарых мастеров— говорил позже художник отом периоде.
Стиль
Портреты Серова относят крусскому импрессионизму. Этот стиль навеян процветающим втот период французским импрессионизмом, отличающимся динамичностью инезавершенностью рисунка, как будтобы сделанного налету.
Однако русский импрессионизм отражал национальные черты: размеренность иосмысленность — наша деревня уступала европейскомутемпу жизни. Вера Мамонтова напортрете расслабленно сидит застолом— лишь румянец нащеках напоминает орезвости девочки.
Интересные факты
- Скатерть, которой накрыт стол на картине, позднее также станет известной: все посетители усадьбы Мамонтовых расписывались на ней мелом, а Вера позже вышивала по этим следам. Скатерть стала уникальной коллекцией автографов художественного кружка Мамонтовых.
- Художник Михаил Нестеров очень любил Девочку сперсиками Серова иназывал портреты Репина иВаснецова безжизненными всравнении сним. Онсчитал, что вПариже картина сделает Серова известным, ноунас пока подобное явление немыслимо: примут запомешанного иуберут свыставки,— настолько это ново иоригинально— так онвысказывается всвоих письмах сестре.
Легенда об Аполлоне и Ниобе
Частым сюжетом на полотнах художников была легенда о Ниобе, дерзнувшей обидеть мать Аполлона и Артемиды, Лето. Двое богов с рождения оберегали родительницу, ещё когда ту преследовал змей Пифон по наущению Геры. Но иногда их любовь к матери приобретала достаточно жестокий вид, и тогда страдали другие люди.
Эти легенды ещё раз напоминают о двойственной натуре богов и их способности карать людей, чем-то оскорбивших небожителей. Изначальная связь с дикой природой, подчас опасной, не исчезала даже с превращением богов в более героических персонажей.
Именно с такой стороной Аполлона столкнулась Ниоба, жена фиванского царя. У неё было множество детей, по разным источникам, от 12 до 20. Дочерей и сыновей в её семье было поровну. Однако женщина так гордилась ими, что стала хвалиться, говоря, что её дети намного красивее Аполлона и Артемиды, а она сама плодовитее Лето.
Оскорблённая Лето обратилась к своим сыну и дочери. Аполлон и Артемида тут же устремились во дворец фиванского царя, где стрелами поразили детей Ниобы. Они не пощадили никого – ни юношей, ни девушек.
Погиб и муж Ниобы Амфион. Его не спасло и родство с богами, ведь Амфион был сыном Зевса и земной женщины. По одним источникам, царь либо погиб вместе со своими детьми, либо царя убили, когда он в отместку хотел разорить святилище Аполлона. В любом случае, Ниоба осталась оплакивать свою семью.
Много раз творцы изображали эту трагическую сцену. Например, Иоганн Бокхорст, голландский художник немецкого происхождения. На его картине, написанной примерно в 1630 г., семья Ниобы пытается скрыться от стрел разъярённых богов. Кто-то уже лежит мёртвый, но и остальных скоро постигнет та же участь. Бокхорст мастерски изобразил этот ужас, отчаяние перед неминуемой гибелью, когда божества-защитники карают провинившихся.
Ещё одна картина принадлежит кисти Жана Франсуа де Труа, французского художника эпохи рококо. Его картина кажется совсем другой по настроению. Дети Ниобы не пытаются спастись бегством. Они уже смирились со своей судьбой и стоят, ожидая кары богов. Но оттого сцена не менее печальна.
Картина Иоганна Кёнига показывает всю сцену в более современном антураже, однако общий смысл не меняется.
Ещё один частый мотив на полотнах – материнская любовь Ниобы. Хоть она и навлекла смерть на своих детей, царица не оставляет попыток их спасти, укрыть от стрел богов. Но Аполлон и Артемида знают, что главное наказание для женщины – остаться в живых и знать, что она потеряла всех своих близких.
Абрахам Блумарт. Ниоба горюет о своих детях.
Жак Луи Давид. Аполлон и Артемида пронзают стрелами Ниобид (детей Ниобы).
Пьер-Шарль Жомбер. Убитые Ниобиды.
Андреа Камасей (итальянский художник, эпоха барокко). Резня детей Ниобы.
Николя де Платтемонтань, «Смерть детей Ниобы».
